Le Musée de la Poupée présente

Nouvelles Icône

Jusqu’au 19 septembre 2010

Interview de Samy Odin, Directeur du Musée de la Poupée

          Depuis le 17 ème siècle, les poupées servent de petits mannequins aux parisiennes et aux créateurs. Ces derniers testent leurs créations pendant que leur cliente contemple avant d’acheter.

Ces modèles s’appelaient les Pandores.

Sous le Second Empire, les Pandores laissent la place aux Parisiennes, des poupées habillées avec le plus grand raffinement.

En 1920 apparaissent les poupées de salon, poupées décoratives à assortir à son intérieur.Puis 39 ans plus tard la célèbre Barbie naît

En 2005 des poupées très particulières sortent entre les mains de Charles Fegen et Desmond Lingard. Ils se rencontrent en Afrique du suddans une  école de mode, puis s’installent à Londres et développent des vêtements haute couture.

Voyant le succès de leur entreprise, ils décident de se lancer dans leur véritable rêve : créer des poupées aussi proches que possible de la réalité, maquillées à la main, apprêtées dans des vêtements de luxe. Ces produits prennent vie sous le nom des Sybarites.

Peut-on aussi les considérer comme des jouets ?

Pour les collectionneurs, cette exposition est d’une grande importance. D’abord parce nombre de ces poupées mannequins n’avaient jamais été montrées de cette façon au public mais encore parce qu’une Sybarite était présentée pour l’occasion au public, en série limitée !

Est-ce que le Directeur du musée a une Sybarite préférée ?

Nouvelles icône est une exposition qui retrace le temps en se concentrant sur un des emblèmes phares et symboliques de notre enfance, la poupée. Elle nous rappelle que les moeurs évoluent avec les objets.

Que dirait la poupée Pandore, sage et élégante, en se retrouvant devant la Sybarite, élégante certes mais tout de même provocante..

M.D

Crédits:

Images d'Alex Howe, Musée de la poupée.

                                                      Le Musée d’Art Moderne présente

                                                     ALEXANDRA LEYKAUF

Jusqu'au 27 Juin 2010

Interview du commissaire de l'exposition, François Michaud 

        Le grand escalier nous emmène directement dans la salle noire. Nous plongeons dans la pénombre, prêts pour  l'experience. Des motifs dansent sous nos yeux, à droite, à gauche, toute la salle en est envahie. Sommes-nous vraiment au sous-sol du Musée d’ Art Moderne ? Alexandra Leykauf présente un travail particulier, entre la vidéo, l’architecture, la créativité.

Cette exposition contraste avec celle de l’étage,  dite de seconde main, très colorée. Ici, le noir et blanc domine et les courbes géométriques effacent nos certitudes.

 L'artiste décide ici de recréer le musée après se l'être approprié. elle l'a photographié, étudié, il n'a plus de secret pour lui. Et de là, nait ce projet.

Que veut-elle que nous retenions de son exposition ?

La salle noire nous livre une promenade très surprenante, intemporelle où tous les motifs sont exploités. Nous ne nous attendions pas à trouver une telle exposition en sous sol, comme un peu retiré du reste, secrète , un peu magique.

M.D

Crédit:

Image: Alexandra Leykauf, Palast Der Arbeit,2009.

La Fondation Cartier présente

Beat Takeshi Kitano : Gosse de peintre 

Isabelle Gaudefroy, commissaire de l’exposition,

            Si vous voulez associer des images  au mot "originalité", vous devez sans concession vous rendre à la Fondation Cartier.

Takeshi Kitano nous livre ici son univers déjanté composé de fêtes foraines, de peintures colorées, d’explications faussement scientifiques..Vous apprendrez comment un prisonnier peut éviter la pendaison. Avoir travaillé dans un cirque peut aider de même qu’une taille impressionnante.

Mais derrière cette œuvre se cache un message plus sombre. Est-il nécessaire de rappeler que la pendaison existe toujours au Japon ?

Doit-on considérer que son auteur est un homme engagé ?

 Une autre œuvre nous surprendra. Celle de l’artiste, la tête ouverte, tenant sa cervelle dans la main droite. Quel en est le message ? En 1994, l’homme tombe de scooter. Il aurait dû subir une opération chirurgicale, une craniotomie. Il la refuse. Peut être est- ce sa façon de se remettre en question.

Bien sûr, avec ces gaufres en forme de Bouddha que nous pouvons acheter en fin de visite, ces dessins que nous imaginons et créons à l’écoute de sons, avec ces animaux doubles, ce dinosaure à baptiser au pistolet à peinture, nous pensons automatiquement au plaisir des enfants. Peut-on considérer que cette exposition est faite pour eux ?

Ce n’était pas la première fois que l’artiste recevait des demandes pour exposer son travail. Toujours la même réponse, négative. Comment la Fondation Cartier a-t-elle réussi à le faire changer d’avis ?

Il aurait même réalisé des toiles spécialement pour l’occasion.

Isabelle Guaudefroy, commissaire de l’exposition, aime particulièrement une œuvre .

Cette exposition rafraichie. Nous connaissions le réalisateur et l’acteur avec des films pleins de poésie comme Dolls ou l'inoubliable Eté de Kikujiro (pour ne citer que les tendres) mais il est vrai que nous connaissions moins le peintre et le comique, pourtant surmédiatisé dans son pays.

M.D

Crédit :

Image 1 : Affiche de l’exposition © Office Kitano Inc. Exhibition Beat Takeshi Kitano, Gosse de peintre, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, March 11 – September 12, 2010

Image 2 : © Office Kitano Inc. Exhibition Beat Takeshi Kitano, Gosse de peintre, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, March 11 – September 12, 2010

La pinacothèque de Paris présente

Edouard Munch, l'anti-cri

Jusqu'au 18 juillet 2010

Interview avec Marc Restellini ,Directeur de la pinacothèque.

    Certaines personnes ont la faculté sonore de nous apaiser. Leur voix nous apporte l'évasion le temps de quelques mots prononcés, chantés, déclamés.  La ville agitée se fait loin, les klaxons ont cessé. Il n’y a plus de piétons pressés et de voitures impatientes. Il existe un musée en plein cœur de notre capitale qui produit le même effet sur l’âme. Une fois les portes rotatives dépassées, le monde des chefs d’œuvres vous accueille sous une luminosité tamisée. Notre voyage commence. Ce soir, ce sera avec Munch.  Notre regard s’arrête sur une toile doublement peinte. Comme un trésor elle livre au recto une toile méconnue.

1892. Munch présente son travail au Club d’Art de Berlin. Lui qui avait déjà exposé avec succès dans son pays natal  Norvégien, va se retrouver totalement désapprouvé et critiqué. On le traite même d’anarchiste et l’exposition décide de lui fermer ses portes.

Le peintre va tout de même  rester en Allemagne Il commence à peindre sa frise de la vie, « un poème sur la vie, l’amour, la mort. » Il peint des femmes, les vampirise. Nous nous approchons de la toile Vampire II.  Sa vision de la gent féminine ne serait-elle pas un peu sombre ?

Il part pour Paris, peint des affiches pour le théâtre de l’œuvre et les pièces d’Ibsen. Un portrait de l’homme est d’ailleurs exposé.

Le temps passe, il rencontre Tulla Larsen, commence une relation tumultueuse avec cette femme mariée. Serait- ce elle, la Madone ?

Les murs du Musée vont alors nous surprendre. La petite pièce montre des tableaux de paysages, colorés, gais. Dans un coin, une petite fille en noir et blanc nous regarde. Elle n’a pas de voisin, conserve pour elle toute une partie du mur. Elle est froide, glace le sang. Pourquoi a-t-elle choisi d’être ici ?

Plus loin, autre salle, autre ambiance. Un couple regarde au loin. Ils sont ensemble et pourtant seuls. Munch les décline en 4 toiles. Ces solitaires côtoient deux femmes sur le rivage. Un sentiment de monotonie et de tristesse envahit.

Puis, l'année1904. Le peintre présente « les quatre fils du docteur Max Linde ». Cette toile révolutionne le portrait moderne.

 Et le nazisme s’installe, décidant que son œuvre serait « dégénéré ». Quel choc pour ce vieil homme. Il meurt à 80 ans, nous laissant des milliers de toiles.

Pour Marc Restellini, une de ses préférees est sans doute La Madone.

Nous reprenons les portes rotatives. Le bruit revient, comme un rappel de notre quotidien. Mais la Madone, la petite fille en rouge et noir, les femmes sombres, les couples exacerbés

nous regardent partir et nous savons que nous les recroiserons.

M.D

Crédit:

Image 1: Edvard Munch, Nuit d'été à Studenterlunden, 1899, Huile sur toile, collection Perez Simon, Mexico,c: the Munch Museum/The Munch Ellingsen Group, ADAGP,Paris 2010.

Image 2: Edvard Munch, Baiser sur les cheveux, 1915, Gravure sur bois, collection particulière, c: The Munch Museum/The Munch Ellingsen Group,ADAGP,Paris 2010.

Le Musée du Jeu de Paume présente

 Esther-Shalev-Gerz

Jusqu’au 06 Juin 2010

          Cet artiste né en Lituanie a grandit en Israël et vit actuellement à Paris.  Son travail est engagé et toujours lié à une commande publique ou à la demande d’une communauté précise. C’est ainsi la première fois qu’elle pose ses œuvres dans un musée.

Un diaporama muet sur écran propose la vision d’un monument qu’elle avait crée à Hambourg en 1983 et sensé militer contre le fascisme.

Autre écran, pour une projection cette fois. Une pièce de 10 francs tourne sur elle-même, comme si elle n’allait jamais tomber. Quel message se cache derrière cette danse métallique ?

L’exposition s’intitule «  Ton image me regarde. »Le visiteur avant même de découvrir ces deux œuvres, s’était déjà questionné sur ce titre. Pourquoi appeler ainsi cette rétrospective?

Une autre installation avec double vidéo-projection interpelle particulièrement. Nous apprenons que dans la langue des Lapons, le mot guerre n’existe pas. Ce peuple installé en partie en Suède aurait il influencé ce pays à ne pas participer aux conflits sociaux ? Depuis 200 ans, ce dernier n’a jamais pris part à une guerre. Coïncidence ?

D’autres installations vidéos appréhendent la question du peuple de juif et ses souffrances endurés dans la seconde guerre mondiale.  L’artiste a réalisé un vrai travail sur le sujet. Elle s’est rendue à Auschwitz, dans le camp de Buchenwald, pourquoi autant de travail en relation avec ce thème ?

Nous demandons au conférencier ce qui a été le plus marquant pour lui dans tout le travail exposé de l’artiste.

Nous serons souvent déstabilisés dans cette visite. Les lieux et les histoires montrées ne nous mettrons pas toujours à l’aise car l’artiste choque, réveille avec ses 11 œuvres exposées. Beaucoup de questions interviennent alors, et avec elles, des sentiments assez différents. Et puisque nous réagissons, il s’agit forcément d’une visite réussie.

M.D

Crédit :

Image 1 : Les Inséparables 2000-2010 Horloge,  Œuvre produite par La Manufacture Jaeger-LeCoultre, partenaire privilégié de l’exposition.© Esther Shalev-Gerz, ADAGP, Paris 2010

Image 2 : White-Out : entre l'écoute et la parole (Between Telling and Listening)2002Vue de l’installation au Jeu de Paume, composée de : une double projection vidéo synchronisée, DVD SD, couleur, sonore, 40 min ; 7 photographies couleur montées sous diasec, 80 x 120 cm chaque ; 6 textes contrecollés sur aluminium, 120 x150 cm chaque
Courtesy de l’artiste© Esther Shalev-Gerz, ADAGP, Paris 2009Photo Arno Gisinger © Jeu de Paume, Paris

Image 3 : MenschenDinge (L’Aspect humain des choses)2004-2006 Photographie couleur extraite de l’installation composée de : 5 vidéos,couleur, sonores, 22, 14, 23, 14 et 12 minutes ; 25 photographies couleur contrecollées sur aluminium,Collection Mémorial de Buchenwald,Weimar, Allemagne © Esther Shalev-Gerz, ADAGP, Paris 2010