Le Musée d’Art Moderne présente Deadline jusqu’au 10 janvier 2010

Interview d’Odile Burulaux, commissaire de l’exposition

     Consacrer un exposition au thème de la mort, il n’y avait que le MAM pour oser. Plus que la mort, c’est la souffrance dont il est question, la disparition proche. 12 artistes décédés aux cours de ces vingt dernières années, 12 artistes aux vies abimées dialoguent avec cette idée.

Pourquoi avoir voulu représenter l’imminence de la mort ?

Le parcours de l’exposition consacre à chaque artiste un espace distinct lui permettant d’exprimer ses traumatismes.

Dans la première salle un grand tapis vert git au milieu de rien. Son auteur, Martin Kippenberger, est mort à 44 ans  des suites d’un cancer du foie.

La deuxième salle continue de nous surprendre. Une sorte de maisonnette aux murs blancs immaculés invitent le spectateur à passer sa porte. Mais l’intérieur n’est pas confortable mais tortueux.

Autre espace, autre atmosphère, recouverte d’or. L’artiste Byars pensait la mort comme une « idée esthétique faisant partie de la vie». Le visuel de l’exposition montre un homme couché sur des feuilles d’or. Les extrémités de son corps sont marquées par cinq diamants posés sur un sarcophage.

Felix Gonzalès-Torres veut apprivoiser la mort. Il crée des guirlandes lumineuses particulières.

Chen Zen , anémique, se sert de sa douleur comme moyen de production.La  souffrance l’aide à créer. Dans son espace, les bougies font couler leur cire et le cristal devient corps.

Pour Hannah Villiger, obligée de séjourner de longs mois en isolement en raison de  sa tuberculose, le polaroïd va être son unique moyen de communiquer. Son corps devient un objet qu’elle recouvre de tissus.

Pour le commissaire de l’exposition, certaines oeuvres la touchent particulièrement .

Si le thème évoqué n'est évidemment pas facile, il n'est pourtant pas démoralisant, bien au contraire. Tous ces hommes écorchés par la vie ont su se battre et continuer à créer avec ce nouveau facteur, la maladie. Le MAM présente finalement ici une exposition sur le combat avec la mort, pas forcément contre la mort.

Marie DUFOUR

Crédit:

Image 1: Bayers, performance pour le vernissage The death Of Lee Byars à la galerie Marie-Puck Broodthaers,Bruxelles.1994,c:Estate Of James Lee Byars.

Image 2: Absalon, cellule n°3,1992,Musée d'Art Moderne de St-Etienne-metropole,Photo Yves Bresson.

Image 3:Felix Gonzalez Torres,Untitled,(Feuilles d'herbes)guirlande lumineuse avec douilles en porcelaine,estate of Felix Gonzalez-Torres.

Image 4: R.Mapplethorpe,wrestler(Lutteur),R.Mapplethorpe Foundation.New York.

Le Louvre présente Titien,Tintoret,Véronèse..Rivalités à Venise jusqu’au 4 Janvier 2010

Interview de Vincent Delieuvin et Jean Habert, commissaires de l’exposition.

          La visite commence dans le Venise des années 1540. Le Titien est un artiste à son apogée, courtisé de tous, peintre officiel de la République. Charles Quint l’élève même au rang de Comte Palatin et l’envoie à Rome représenter le Pape Paul III, véritable honneur.

C’est dans ce même temps que Véronèse arrive à Venise. A 23 ans, Titien parle déjà de lui comme « l’honneur de Venise ». Très impressionné par son travail, il le prend sous sa protection, lui permettant de réaliser de nombreuses commandes émanant de familles nobles et princières.

C’est également la période où Tintoret commence son ascension en se rapprochant de l’Arétin, poète satirique très respecté et ami du Titien.Tintoret obtient la réalisation du décor palatal de ce dernier. Mais c’était sans compter sur le retour du Titien qui ne verra pas d’un bon oeil cette collaboration.

Il y a donc bien au sein de Venise, de vraies rivalités entre les 3 peintres. Peut-on alors parler d’une « noble rivalité »  ?

Mais rivalités tout de même..

Pourquoi le Titien accepte-t-il la présence de Véronèse qu’il va protéger tout au long de sa carrière et refuse dans le même temps celle de Tintoret ?

C'est alors finalement entre Tintoret et Véronèse que la concurrence serait présente?

Peut-être parce que les deux hommes sont très proches dans cette manière de travailler, de choisir leur sujet. Quand il s’agit de démontrer qui, de la  sculpture ou de la peinture est la plus proche de la réalité , grand débat de la Renaissance, les artistes se servent tous les trois du reflet pour exprimer leur superiorité.

Titien avec sa Vénus au miroir(1555),Tintoret avec Suzanne et les vieillards(1557) et Véronèse avec Vénus à la toilette(1582).

Les scènes religieuses vont de plus en plus s’estomper pour l’art du décor de la vie quotidienne.Véronèse peint les Pelerins d’Emmaüs(1560),repas biblique aux allures de fêtes où se mélangent nobles,musiciens et animaux.

Bassano,le quatrième grand peintre de l’époque, sera même le premier à introniser la peinture du genre animalier,reprise ensuite par ses contemporains.

Le nocturne sacré fait encore partie des sujets traités communément par les quatre peintres : il s’agit de représenter des scènes sacrées dans une ambiance de crépuscule ,ou de nuit, propice à la dramatisation.

La dernière salle rappelle comment le nu était représenté à cette époque. Encore une façon de comparer les quatre peintres à travers un thème propre.

Pour les commissaires, certaines de ces toiles les impressionnent particulièrement.

Pour exemple, Suzanne et les vieillards de Tintoret:

Ou Saint Jérôme Pénitant de Bassano:

A travers ces 85 toiles, le Louvre permet de comprendre l'évolution de ces artistes vénitiens dans la seconde moitié du "siècle d'or". Comme à son habitude, le grand musée présente ici une exposition complète sur un thème original. Evidemment vous ne serez pas les seuls à admirer ces chefs d'oeuvres mais la qualité des toiles vaut cette concession.

Marie DUFOUR

Credits:

Image 1:Vénus au miroir,Titien,vers 1888,Washington,The national Gallery Of Art;c:Courtesy Board of Trustees of the National Gallery of Art,Washington.

Image 2: la Comtesse Livia Da Porto Thiene et sa fille Porzia,Véronèse,1551,baltimore,The walters Art Museum,c:The Walters Art Museum,Baltimore.

Image 3:Deux chiens de chasse liés à une souche Jacopo Bassano,1548-1549,Paris,musée du Louvre,dpt des peintures,c:RMN/Daniel Arnaudet

Image 4:La déposition du Christ Tintoret,1555-1560,Venise,Gallerie dell'Accademia,c:Scala,Florence.Su concessione Ministero Beni e Attività Culturali.

Image 5: Suzanne et les vieillards,Tintoret,1555-1556,Vienne,Kunsthistorisches Museum,c:Kunsthistorisches Museum,Vienne.

Le Centre Pompidou présente

La subversion des images

jusqu’au 11 janvier 2010

 Interview des commissaires de l'exposition Quentin BAJAC et

Clément CHEROUX

           Les surréalistes vivent ensemble. Ils sont dans l’esprit de groupe. « La poésie doit être faite par tous, non par un. » selon la formule de LAUTREAMONT. Ils partagent tout : leur vacance, leur amour, se  retrouvent dans des cafés parisiens pour décider de leur action ou simplement s’amuser ensemble au jeu du cadavre exquis.

Les surréalistes veulent revisiter l’art, transformer les systèmes de représentation traditionnels. Comme le prouvent les neuf salles du musée, la photographie va devenir une des bases de leur créativité.

André BRETON, sa femme Simone, Paul ELUARD,Joseph DELTEIL, Marx ERNST et leurs amis posent (comme cette photo datant de 1924 les représentant en étoile) , se mettent en scène lors de fêtes foraines ou d’expériences , comme celle de l’écriture sous hypnose, lors des « séances de sommeil. »

Les surréalistes utilisent alors l’objectif pour constituer des mises en scènes. Il n’y a pas de spontanéité dans les clichés. Tout a un but précis. Le corps nu de cette femme appuyée sur une machine infernale a quelque chose d’inquiétant(Man RAY, Erotique voilée 1933-1934) Cet escalier aux deux chaussures grimpantes sans corps devient tragique.(Marcel MARIEN L’esprit de l’escalier 1952)

Jean COCTEAU dira qu’il s’agira de « compromettre la réalité..de l’obliger à dire ce qu’elle cache ».

La ville devient alors « leur terrain sacré. » Les graffitis de BRASSAI représentent de la « poésie involontaire »et les Abattoirs de La Villette livrent des images cadavériques.(Eli LOTAR, Abbatoirs de La Villette)

En 1919, ils inventent le photomontage, assemblages d’images n’ayant à première vue pas grand-chose à voir entre elles mais formant un tout onirique.

Le jeu de cadrage, les changements d’échelle et contre-plongées leur permet d’obtenir des images inédites souvent à partir du corps féminin ou des animaux eux-mêmes comme ce gros plan d’une Pince de homard  de Jean PAINLEVE datant de 1929.

Photographier n’aura donc jamais de lien avec le réel. Le but n’est pas de rendre le monde tel qu’il est mais d’aller plus loin, de voir « ce qui n’est pas visible ». « Forme tes yeux en les fermant » sera l’un des postulat d’André BRETON et Paul ELUARD. La photographie de Dora MAAR fait littéralement peur. Appelée Le Simulateur, elle montre un enfant aux yeux blancs comme accroché au plafond d’une église. Son corps arquebouté rappelle celui de la fillette dans le film L’exorciste.

Et quand ils immortalisent une image, les artistes s’arrangent toujours pour rester dans l’automatisme, pour eux cœur de l’inconscient. Prendre une image sur le vif, écrire sans réfléchir: autant d’actions sincères puisque non contrôlées par leur volonté. « Prenez le hasard, donnez-lui de la lumière et vous verrez »dira Arthur HARFAUX.

Des billets d’autobus roulés peuvent donner lieu à maintes interprétations (BRASSAI, Billet d’autobus roulé 1933) ainsi la branche de Claude CAHUN rappelant une main humaine, handicapée d’un doigt.(Claude CAHUN, sans titre,1930).

 Alors que Man RAY travaille dans sa chambre noire, Lee MILLER, sa compagne ,allume accidentellement la lumière. La solarisation est née, encore un moyen de déformer le réel.  Ses corps nus désarticulés baignent dans une clarté très particulière (Man RAY, Primat de la matière sur la pensée,1931)

La dernière salle de l’exposition rappelle que les surréalistes n’étaient pas opposer à une  coolaboration avec la publicité, la photographie de mode, le monde commun. La célèbre photographie des Larmes de Man RAY(1933) montrant des yeux de femmes aux cils perlés de grosses gouttes d’eaux, sera utilisée pour un mascara.

Des expositions sur le surréalisme, il y en a eu. Rappelez vous en 2008 celle, excellente, sur Jacques PREVERT à l’Hôtel de Ville  de PARIS ou même 25 ans plus tôt au Centre POMPIDOU.

Mais ici parce que le thème est très ciblé (l’étude de la photographie par les surréalistes), les œuvres très nombreuses (pas moins de 350) et les explications claires, l’exposition reste originale.

Marie DUFOUR

Crédit:

Affiche de l'exposition, Lee Miller de Man Ray,1929,c:Adagp,Paris 2009,c: Man Ray estate/the penrose Collection ,England,2009,c: Man Ray Trust/Adagp,Paris 2009

Image 1: Jean Painlevé,Pince de homard,1929,Centre Pompidou,c:Adagp,Paris 2009,c:Collection Centre Pompidou,Paris,Diffusion RMN,Photo:Jacques Faujour.

Image 2: Claude Cahun,Que me veux-tu?Autoportrait double,1929,Musée d'Art moderne de la ville de Paris,c:Centre Pompidou,Paris,Photo:Philippe Migeat.

La Fondation Henri CARTIER BRESSON

présente August SANDER

« Voir, observer et penser » jusqu’au 20 décembre 2009

Interview d’Agnès SIRE, commissaire de l’exposition

      En se penchant sur le travail de ce photographe portraitiste professionnel, un sentiment de surprise nous envahit. Cet homme a passé toute sa vie non seulement à photographier la vision de son Allemagne mais encore à classer ses tirages selon une méthode bien précise, « comme une mozaïque » disait-il. Son projet principal, qu’il n’aura pas le temps de finir, en est la preuve vivante. « Homme du siècle » est divisé en sept sections elles mêmes subdivisées en cartons : le paysan, l’artiste, la femme, les catégories socio-professionnelles, les artistes, la grande ville et les derniers des hommes..

Classer fait donc à part entière partie de son oeuvre :

N’était-ce pas prendre un risque que de présenter ensemble ces photos de portraits, paysages et d’études botaniques ? Comment savoir si ce projet aurait plu à l’artiste ?

Cette centaine de clichés nous livre une Allemagne aux différents visages, une Allemagne pendant la République de WEIMAR, affaiblie par la guerre, pauvre, infirme aussi. Etait-ce parce qu’il était trop proche de la réalité que son oeuvre dérangeait ?

Le fait qu’il photographie ce qu’il voit, sans essayer de camoufler la dureté de son pays le classerait comme un photographe documentariste. Pourtant beaucoup considèrent qu’il faisait partie à part entière de la nouvelle objectivité. .à moins qu’il ne s’agisse finalement de la même chose.

Lui qui détestait les « photographies saupoudrées de sucre avec des minauderies, des poses et des effets », il n’en faisait pas moins poser ses modèles et pendant des heures entières tant il recherchait la perfection. N’est- ce pas contradictoire avec cette envie d’éviter « les poses » ?

Un cliché attire notre attention, celui montrant sa femme portant deux jeunes bébés, ses fils. La photographie reflète la sérénité et pourtant, August SANDER la dénomme :« Mon épouse entre joie et tristesse »

Tristesse ?

Une autre photographie étonne, celle du peintre Anton Raderscheidt. Seul dans la rue, un grand manteau le recouvrant, il semble dans ses pensées.

Qui était cet homme ?

Pour Agnès SIRE, La boucle du Rhin près de Boppart fait incontestablement partie de ces clichés préférés.

Mais elle aime aussi particulièrement celle du peintre Anton Raderscheidt.

Cette exposition permet de mieux connaitre un artiste qui  toute sa vie essaya d’établir un inventaire sociologique des hommes , leur métier, leur classe sociale. Un travail très impressionnant.

Marie DUFOUR

crédits: 

Image 1:Jeune fille, westerwald, vers 1925,August Sander.

Image 2: Le pianiste, Max van de sandt,1925, August Sander.

Image 3: Peintre, Anton Raderscheidt,1926, August Sander.

Image 4: La boucle du Rhin près de Boppard,1938,August Sander.

L’Institut du Monde Arabe présente les Arts de l’ISLAM, chefs d’œuvres de la collection Khalili

Interview du commissaire de l'exposition et de la direction du musée et des expositions, Eric DELPONT.

     Les 471 trésors exposés dans la capitale couvrent au total treize siècle d’histoire et pas moins de trois continents.

Appartenant au milliardaire populaire Nasser D. KHALILI,, les œuvres auraient été exposées pour aider «  au rapprochement et à la compréhension entre les religions. »

C’est d’ailleurs dans ce seul but que ce passionné commencera à réunir des objets islamiques en 1970. À la tête de la plus grande collection privée d’art islamique au monde avec 25000 pièces à son actif, Nasser D. KHALILI ne dispose pas encore d’un lieu propre d’exposition. Ses œuvres collectées voyagent à travers les pays, les musées du monde entier.

Auparavant en AUSTRALIE puis aux EMIRATS ARABES UNIS, cette sélection prestigieuse s’arrête quelques mois chez nous.

L’exposition s’intitule Art de l’ISLAM. Pourquoi ne pas avoir dit "art islamique" ?

Si cet art n’est pas que de finalité religieuse, il en a tout de même été très largement influencé. Page d’un Coran à l’encre noire et dorée du début du Xeme siècle,main de Fatma en amulette  incrustée de rubis,diamants et émeraudes du début du XIX ème..autant d’objets chargés de religion?

Que signifie cette calligraphie en forme de lion provenant de TURQUIE et datant de 1913 ?

Califes, Emirs, Sultans participent à la formation de cet art. Forts de leur richesse, ils veulent l’exposer aux yeux de tous. Rien n’est trop beau pour eux. Les arts de cour se développent alors, créant pour des Palais, des églises ou des personnalités de vraies splendeurs. Ainsi le palais des Abbasides à BAGDAD possédait un arbre en argent planté dans un grand bassin de mercure étincelant. Ses branches en or et en argent retenaient des automates d’oiseaux chanteurs à différentes tailles, eux aussi en or et en argent.

Cette petite boite à merveille en or incrustée d’émeraudes devait également appartenir à un riche mécène.

La collection montre des scènes figurées avec représentations d’oiseaux ou même d’humains. Une cinquantaine de miniatures évoquent des scènes d’amour, de combat de chasse ou d’histoire bibliques. Le Coran permettait donc la représentation de l’être humain et animal ?

L’art islamique ne semble pas avoir de limite. Il se place  dans la vie de tous les jours, à la fois ornementale et utilitaire. Assiettes aux inscriptions coraniques, carafes en forme d’éléphant, brûle-parfum en forme d’oiseau, il paraît ainsi proche du peuple.

Et si le commissaire de l'exposition pouvait emporter avec lui une seule oeuvre,où irait sa préference?

Cette sélection d’œuvre  pousse à l’imaginaire, à ce que devait être l’Orient brillant de mille feux ,aux palais de pierres précieuses où même les habits étaient d’une richesse inestimable,où les artisans des ateliers de cour, joailliers et orfèvres, se livraient à la création de pièces précieuses et uniques..

Marie DUFOUR